文/微观史纪

编辑/微观史纪

<<·——前言——·>>

作为美国最具代表性的作曲家之一，格什温将美国本土的爵士音乐与古典音乐巧妙地融合，推动了美国民族音乐的发展。他的钢琴协奏曲《蓝色狂想曲》成为严肃音乐与爵士乐融合的杰出范例。

这部作品初创时，格什温特意标注了许多即兴段落，为演奏家提供了自由发挥的空间，进一步凸显了爵士音乐的特色。

《蓝色狂想曲》是格什温的代表作之一，让我们从多个角度对其进行深入分析。首先，我们将探讨其创作背景，掌握作品诞生的历史和文化背景，这有助于理解他融合爵士与古典音乐的动机。

其次，着重研究作品的节奏，这是爵士音乐与古典音乐融合的重要方面。分析作品中运用的爵士乐的典型节奏元素，以及如何与古典音乐的节奏体系进行交融，形成独特的音乐风格。接下来，我们将深入研究《蓝色狂想曲》的曲式结构，探讨其中是否融入了爵士乐常见的曲式特点，以及作曲家是如何处理这些元素，使其与古典协奏曲的结构相融合。

在和声方面，我们将分析作品中采用的和弦进行，探讨是否借鉴了爵士音乐中独特的和声进展。这些和声上的巧妙安排是否成功地实现了爵士与古典音乐的结合。最后，我们将关注演奏技巧，着重探讨作品中给钢琴演奏家带来的挑战，以及演奏家如何在即兴段落中展现个人风采，体现爵士音乐演奏的特点。

通过这些多角度的分析，《蓝色狂想曲》这一融合了爵士与古典音乐的杰作将呈现出更为全面和深入的面貌，有助于我们更好地理解格什温在美国民族音乐发展中所做出的重要贡献。

<<·——《蓝色狂想曲》创作背景——·>>

1898年，美国纽约市的俄裔犹太人家庭迎来了乔治·格什温的诞生，在贫民区长大的格什温偶然接触了黑人音乐，这激发了他对自由平等的渴望，并成为他音乐作品中的灵感来源。他将这种情感融入自己的音乐，成为其创作的核心要素。

与此同时，格什温开始系统地向受过古典音乐训练的钢琴家汉比学习，并接触了李斯特、肖邦、巴赫、德彪西和贝多芬等作曲家的作品。这段学习经历为他日后的创作奠定了坚实基础，使他掌握了和声、作曲技巧等重要知识。

1924年，爵士音乐家保罗·怀特曼邀请格什温为他的爵士音乐会创作一首爵士交响乐，经过三个星期的努力，《蓝色狂想曲》的双钢琴谱初稿终于完成。怀特曼的助手罗菲进行了配器工作，使演奏的织体更加饱满，音乐更具气势。1924年2月12日，作品在美国Aeolian音乐厅首演，取得了巨大成功，使格什温一举成为美国著名作曲家。

美国指挥家伯恩斯坦对《蓝色狂想曲》做了形象的比喻，称其为“把一连串个别的段落用很稀的浆糊黏在一起”。

这个比喻意指作品由多个主题和段落拼贴而成，虽然表面上显得随意，但实际上这些拼贴段落却蕴含着严密的逻辑。这包括段落之间层层递进，推动乐曲的发展，以及段落之间华丽而流畅的连接，起到了承上启下的作用。

格什温对美国民族音乐的贡献是不可忽视的，他的《蓝色狂想曲》成功地将爵士音乐与古典音乐融合，体现了他对自由平等的渴望和对美国本土音乐的热爱，为美国音乐史增添了重要的篇章。

<<·——《蓝色狂想曲》创作特征——·>>

《蓝色狂想曲》的曲式结构一直备受争议，不同的音乐家和学者有不同的解读。美国知名音乐家大卫·希夫认为该作品可划分为四个部分：引子(1-90)，诙谐曲 (91-302)，慢板 (303-382)，尾曲(383-510)。彭志敏老师在《现代乐派乐曲赏析》一书中提到，整个曲子由八个不同的爵士风格主题和五段即兴的独立华彩段拼贴而成，形成了类似于回旋曲式的结构。

而邵义强教授在同样的书中则将其按速度分为三段：第一段中板，第二段中庸行板，第三段神秘莫测的激动快板，并将第三段进一步细分为六个主题。不管如何，这些不同的解读都突显了《蓝色狂想曲》作为一部融合古典与爵士风格的作品所具有的复杂性和多样性。

无论是在曲式结构上的分段，还是在速度和主题的变化上，作曲家格什温都展现了他对音乐的独特理解和创作技巧。

这样的多样性和复杂性使得《蓝色狂想曲》成为了一部值得深入探究的音乐作品，它蕴含了格什温对自由平等的渴望和对美国民族音乐的热爱，同时也展现了他对爵士音乐与古典音乐融合的独特见解。这些都为作品赋予了深远的意义，使其成为美国音乐史上的经典之作。

根据笔者的划分，《蓝色狂想曲》可以分为以下段落：(1-23)、(24-37)、(38-47)、(48-71)、(72-171)、(172-226)、(227-241)、(242-301)、(302-460)和(461-510)。这种划分展示了作品中丰富多样的音乐内容，每个段落都有其独特的主题和音乐性质。格什温将古典和爵士元素有机地结合在一起，通过不同的段落和主题展示了他对音乐的创造力和多样化的风格。

在《蓝色狂想曲》中，格什温成功地将美国本土的爵士音乐融入古典音乐的结构，创造出一部令人难忘的杰作。这个多段式的结构使得作品展现出复杂而独特的面貌，彰显了作曲家对音乐形式的独到理解和创新精神。

作为一部融合了古典与爵士音乐的作品，其多样的段落和主题使其成为美国音乐历史上的重要代表之一。格什温借此作品表达了他对美国民族音乐的热爱和对自由平等的追求，为美国音乐的发展做出了重要贡献。

<<·——《蓝色狂想曲》的曲式结构——·>>

第一主部 (1-23)：开头由单簧管颤音滑至降B，并出现三连音和切分音落至F。随后长号圆号与单簧管颤音交替演奏，最后通过四度模进进入第二主题。第二主题由低音单簧管、圆号和萨克斯联合奏出。
第一插部 (24-37)：为钢琴独奏部分，首先演奏第三主题并进行平行五度模进两次，进入即兴华彩乐段，最后以十七连音引入第二部分。
第二主部 (38-47)：重复了第一主题与第三主题，并且第三主题部分由低音单管演奏，钢琴以I级和弦的琶音形成流畅的织体。
第二插部 (48-71)：新出现的第四主题采用复调手法，旋律上行进行明显，为下一主题的推进做好铺垫，最后的华彩部分以快速的速度、大的力度和丰富的和弦密度，从C大调转到A大调，进入第三部分。
第三主部 (72-171)：开始时乐队齐奏第一主题，随后长笛奏出第三主题，并重复主题A。第二次出现主题D弦乐在强拍后半拍演奏，钢琴进行对位模仿，呈现对话的形式。这一部分第三次出现主题A，引入新的第五主题，小号在钢琴跳动的音群中奏响主题，形成鲜明对比，衬托出小号的坚实有力。钢琴的五连音琶音不断向上快速爬升，主题B由单管管在铜管的长音中奏出，B主题随后打开，铜管、木管及小提琴都演奏这一旋律，单簧管、小号、长号相继演奏相同的旋律，在138小节进入第六主题，由强有力的低音管和弦乐组成。
第三插部 (172-226)：由钢琴构成的华彩乐段，富有即兴性。
第四主部 (227-241)：钢琴琶音和弓弦乐器用右手拨弦形成织体，巴松和双簧管这两个木管演奏第一主题，第四插部还是钢琴即兴独奏。
中部 (302-460)：开始引入第七主题，此部分弓弦木管和萨克斯用四分音符形成歌唱性极强的温柔细腻感觉，班卓琴和圆号以三个紧密的半音循环填充，随后小提琴进行变奏，铜管对弦乐演奏的第七主题进行模仿，钢琴以柱式和弦填充进行模仿。之后钢琴进行托卡塔音型节奏，铜管加入演奏第六主题的旋律。
最后的主部 (461-510)：再现了一、二、三主题，最后以第一主题作为结尾。

《蓝色狂想曲》以其复杂多变的曲式结构和融合古典与爵士音乐的风格成为格什温最具代表性的作品之一，彰显了他对美国民族音乐的热爱与创造力。

<<·——和声——·>>

《蓝色狂想曲》中和弦的运用基于布鲁斯七声音阶，利用降三音、降五音、降六音和降七音等音程加入和弦，赋予作品更浓郁的爵士风格。在整个作品中，广泛运用七和弦、九和弦等复杂和弦，布鲁斯七度是布鲁斯主题旋律的灵魂，其中至少包含了布鲁斯音阶中四个音所构成的七度，从而产生强烈的音响张力。

布鲁斯主题的音乐常常以布鲁斯低音作为低声部的填充，类似巴洛克时期复调音乐中的固定低音，其构建往往围绕主要功能进行回旋式的编排。《蓝色狂想曲》在和声运用上，巧妙地融入了布鲁斯音阶的特色，这使得作品充满了独特的爵士风味。

通过使用丰富的七和弦和九和弦，创造了令人惊艳的和声效果。布鲁斯七度的运用赋予了作品深邃的情感和张力，成为布鲁斯主题旋律的灵魂，为作品增色不少。

此外，通过在低声部运用布鲁斯低音，类似巴洛克音乐中的固定低音手法，营造了独特的音乐氛围。布鲁斯主题的回旋性编排增加了作品的流畅性和内聚力，让音乐的发展更加连贯和有机。

《蓝色狂想曲》在和声上的运用，充分体现了格什温对爵士音乐和布鲁斯风格的热爱和理解。这使得作品成为融合古典和爵士的典范之作，对美国民族音乐的发展做出了重要贡献。

<<·——节奏——·>>

格拉泰姆是19世纪末、20世纪初美国的一种音乐舞蹈风格，其特点在于节拍上利用切分音产生的重拍错位，而节奏上则运用了分布不均的音符密度，形成了快慢不平衡的感觉。这两种特点共同塑造了爵士乐的摇摆感，而格什温的《蓝色狂想曲》巧妙地运用了大量的拉格泰姆节奏型。

摇摆感的产生也建立在三连音的节奏基础之上，许多八分音符的规整节奏被替代为丰富多样的三连音，这带给观众更多丝滑柔顺的感受，让节奏显得更加丰富多样。与规整的八分音符形成对比，三连音的运用使得段落之间的衔接更加流畅。而当这样的格拉泰姆节奏型融入到主题旋律中时，更增添了音乐的韵律缓冲，丰富了整体音乐织体。

《蓝色狂想曲》巧妙地运用了格拉泰姆的节奏特点，通过丰富多样的三连音，增添了音乐的动感和韵律，使得作品充满了活力和流畅感。这种融合了格拉泰姆节奏型的摇摆感，使得作品更具有爵士乐的独特魅力，也展现了格什温对美国民族音乐的深厚造诣和创作才华。

<<·——旋律——·>>

《蓝色狂想曲》是主调作品，但由于不同乐器的演奏，其织体构成了丰富的网状结构，维度达到了饱和状态。主旋律常采用三连音或切分音。伴奏则以四分音符同音或长音为主，通过多种乐器演奏形成纵向和声，为上方旋律提供演奏空间。

在乐器选择上与爵士乐团和古典乐团有所不同，乐器配置和规模可以灵活调整，木管乐器包括长笛、双簧管、单簧管等，弓弦乐器有小提琴、中提琴、大提琴和贝斯，铜管乐器有小号、长号、法国号和大号，打击乐器包括大鼓、定音鼓、锣等。

此外，还加入了钢琴、萨克斯和班卓琴等乐器，通过用不同的乐器替代传统爵士乐团的配置，赋予古典乐器焕然一新的爵士乐演奏风格。小号在作品中起到重要作用，使用弱音器增添戏剧化音色，更符合爵士乐的演奏需求。

<<·——《蓝色狂想曲》的演奏艺术手法——·>>

伯恩斯坦、小泽征尔、朗朗等著名音乐家在演奏《蓝色狂想曲》时，常常在现场演出中进行即兴演奏，与总谱有所不同。即兴演奏是爵士乐的重要特点之一，它展现了相对自由和随意的风格，增添了新鲜感和创造力。

在演奏中，他们可以通过模仿旋律进行变奏，或在固定的和声结构内创造新的旋律，将爵士乐的元素融入其中。这样的即兴演奏使得作品在演出过程中呈现出更多的情感和惊喜，彰显了爵士乐的独特魅力。

《蓝色狂想曲》中的装饰音是一个独特的演奏手段，依赖于即兴演奏，为作品增添华丽和丰富感，使听众不会感到乏味。开头单簧管的颤音和滑音，以及钢琴、小号、黑管的颤音、回音和倚音等装饰音，激发了观众听觉神经，打破了审美疲劳，使横向音乐发展更加多样丰富。

总谱中大量的连音线和保持音记号使演奏更加丝滑细腻，重音记号在每小节通常标注在第一拍，但格拉泰姆节奏使得他将重音记号标在弱拍上，音延续至下一个强拍，产生了向上飞起的感觉。这样的处理增添了音乐的动感和变化。

这里的跳音包括钢琴的跳音和提琴的拨奏跳音，钢琴的跳音通常出现在旋律尾部，起到装饰作用；而提琴的拨奏跳音一般在小节的第一拍，带来轻巧灵动的和声，突出上方旋律线条。这种织体和声丰富了音乐表现力。

琶音常出现在班卓琴和钢琴的伴奏演奏中。钢琴的琶音通常作为段落结束的装饰，而班卓琴作为弹拨乐器，可将琶音放在小节第一拍，作为伴奏织体。这样的演奏手法丰富了音乐的层次和表现力。

<<·——结语——·>>

《蓝色狂想曲》是美国社会的时代缩影，融合了爵士乐与古典音乐，展现了美国民族音乐的独特之处。其中的布鲁斯调式是灵魂，带来丰富的情绪变化。这部作品体现了强烈的创新精神和时代特征，成为20世纪美国最具代表性的作品之一，为美国音乐开辟了新的道路。

参考文献

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